Dallo stesso articolo si ricava che Banksy avrebbe cominciato a disegnare graffiti a 14 anni, che ha avuto problemi a scuola fino a essere espulso e che è stato anche in prigione per piccoli reati, certamente per il suo lavoro di artista di strada ma prima di diventare noto come Banksy. 

In altre occasioni l’artista ha detto di avere cominciato a disegnare graffiti sulla scia del lavoro di Robert Del Naja, artista di Bristol noto come 3-D, fondatore del collettivo musicale dei Massive Attack. 

Ha iniziato a usare la tecnica dello stencil che lo ha reso famoso quando aveva 18 anni, per diventare più rapido nel realizzare le sue opere dopo essere stato inseguito dalla polizia ed essere rimasto nascosto per ore per sfuggire all’arresto, come ha raccontato nel libro Wall and Piece. 

Anche se non ci sono fotografie o video che mostrino il suo volto di oggi, esistono alcune sue immagini. La più remota sarebbe un filmato della BBC del 1995 registrato per un programma intitolato “Shadow People” che alcuni siti hanno riproposto negli ultimi anni.  

Filmati più recenti lo mostrerebbero mentre realizza alcune delle sue opere lungo il muro che separa la Palestina da Israele . 

A proposito di una sua fotografia che lo ritrae a Betlemme e che è circolata lo scorso anno ha dichiarato in una intervista: «Non l’ho vista, ma escludo categoricamente di essere io. Soprattutto se lo sono». 

Secondo una inchiesta molto citata del Daily Mail condotta nel 2008 attraverso una lunga serie di interviste, Banksy si chiamerebbe Robin Gunningham e vivrebbe a Bristol. L’ipotesi sarebbe confermata da una ricerca condotta da studiosi della Queen Mary University di Londra con i metodi delle indagini di criminologia.  

Altri identificano Banksy con il fondatore dei Massive Attack Robert Del Naja. Questa ipotesi sarebbe sostenuta dallo studio della coincidenza tra l’apparizione delle opere dell’artista e gli spostamenti del gruppo musicale.  

In Italia Banksy ha realizzato due graffiti, entrambi a Napoli. Il primo, una rivisitazione dell’Estasi della beata Ludovica Albertoni, in via Benedetto Croce, è stata cancellata nel 2010. Il secondo, Madonna con la pistola, in piazza dei Girolamini, è oggi protetta da un vetro. Poiché Del Naja è tifoso del Napoli ed è stato più volte a seguire la squadra, questo è considerato un indizio del fatto che lui e Banksy sarebbero la stessa persona. Del Naja ha smentito più volte. 

FONTE: http://www.lastampa.it/2018/10/09/societa/che-cosa-si-sa-di-banksy-cKBwPkyEvJapraFtZc9rBM/pagina.html

Di Angela Buscaino

Ispirato da quanto successo durante l'asta di alcuni giorni fa a Londra, un anonimo ha fatto a pezzi una copia originale dell'opera di Banksy sperando di raddoppiarne il valore.

Ma il povero sconsiderato non ha fatto i conti col fatto che l'opera adesso vale solamente una sterlina.

Nel mondo esistevano solamente 600 copie originali dell'opera di Banksy "Girl with a Balloon", ma adesso, grazie all'anonimo in cerca di fortuna, saranno 599.

L'aveva pagata 40mila sterline e sperava di fare un affare e di riuscire a mettere via un bel gruzzoletto, riporta il Corriere.

Per distruggere la preziosa opera d'arte, si sarebbe servito di un taglierino. Poi ha chiamato la casa d'aste Sotheby’s per sapere a quanto ammontasse il valore della copia dopo il "suo intervento"e gli è stato risposto che vale solo una sterlina e che da questo momento è etichettato come un vandalo per aver distrutto una delle 600 copie originali.

L'azzardato gesto voleva emulare quello dello stesso ignoto artista. Durante l'asta infatti la sua opera raffigurante una bambina con un palloncino rosso si è autodistrutta, proprio dopo essere stata venduta per 1,2 miliardi dollari. All'interno del dipinto infatti era nascosto un tritacarte azionato forse dallo stesso artista che si era mischiato tra la folla. L'opera, dopo l'autodistruzione, ha triplicato il suo valore.

Un gesto che ha voluto ribadire ancora una volta il credo dell'anonimo artista: l'arte deve essere libera.

FONTE: http://www.ilgiornale.it/news/cronache/distrugge-copia-banksy-aumentarne-valore-adesso-vale-1-1586119.html

Molti ricorderanno i filmati YouTube in cui, in diretta mondiale, gli sgherri di Al Baghdadi picconavano le meraviglie del Mosul Cultural Museum, uno dei più importanti del mondo. Era il 26 febbraio 2015, quattordici anni dopo la polverizzazione dei Buddha di Bamiyan nell’Afghanistan del mullah Omar. In mezzo c’è una stagione di sangue e macerie che solo in Iraq annovera la seconda guerra del Golfo, la controffensiva saddamista, l’ascesa e il declino di Zarqawi, l’espansione dell’Isis su un territorio dove il Dipartimento delle Antichità di Baghdad cataloga 4 mila siti archeologici, dalla preistoria all’età ottomana. Poi, la Siria: la rivolta inizialmente pacifica del 2011, la repressione, il terrorismo, la frantumazione di un popolo e di un Paese punteggiato di moschee, chiese bizantine e castelli crociati che frana pezzo a pezzo sotto i colpi di governativi, ribelli, jihadisti, e seppellisce con i cadaveri la memoria. 

Il libro, dedicato agli eroi sconosciuti come il prete Yousif Sakat, che mentre l’Isis avanzava sotterrò, salvandoli, 400 manoscritti in siriaco e aramaico, non fa sconti allo scempio culturale che ha preceduto il Califfato, nell’Iraq invaso dalle truppe Usa e nella Siria post 2011. Riviviamo così il devastante saccheggio del museo di Baghdad nel 2003. E i raid dell’esercito di Damasco sui ribelli della prima ora e sulle loro roccaforti, la celebre moschea al-Omari a Daraa, il minareto ommayade di Aleppo, il maniero medievale del Krak dei Cavalieri, il sito di Palmira, trasformato in base militare a ridosso del feroce carcere anti-oppositori di Tadmor prima che i jihadisti mettessero mano alle ruspe. Né si fanno sconti al «surreale concerto» organizzato nel 2016 per la liberazione della Regina del deserto alla presenza di russi e alti papaveri di Damasco (niente abitanti della zona però, fuggiti in Turchia), una liberazione seguita da saccheggi e di breve durata. Ma il giudizio è netto: il Califfato, con la sua distruzione intenzionale del patrimonio culturale e delle identità etnico-confessionali e con i video che la documentano scientificamente, marca una differenza radicale rispetto ai danni collaterali, ancorché gravissimi, delle guerre precedenti. L’annichilimento dell’arte diventa un’arma e come tale viene utilizzata (anche contro i nemici «interni», giacché oltre il 60% dei bersagli riguarda capolavori di arte islamica).  

È un viaggio duro quello in cui, pagina dopo pagina, siamo portati a visitare quanto la furia dei fondamentalisti d’ispirazione wahabita ha lasciato dell’eredità yazida, islamica, cristiana, sufi, delle necropoli romane di al-Qatora e Shash Hamdan vicino ad Aleppo, delle vestigia ellenistiche di Hatra o delle bibliche capitali d’Assiria nella piana di Ninive, Khorsabad, Nimrud, dove Agatha Christie scrisse alcuni dei suoi gialli. Un deserto analogo a quello che gli archeologi stanno scoprendo in Iraq, l’antica culla del sincretismo delle fedi svuotatasi prima dei suoi abitanti, a partire dai musulmani, e poi dei suoi simboli, in un crescendo culminato nella piana di Ninive con il silenzio delle campane la notte del 25 dicembre 2014. 

Resta da rimboccarsi le maniche con la consapevolezza che si tratta di una guerra di simboli, ma non solo. Brusasco non è convinto del messaggio iconoclasta dell’Islam primitivo, perché non rileva nel Corano una vera stigmatizzazione delle immagini. Crede piuttosto che decapitare le statue di Nimrud sia un guanto di sfida lanciato dal Califfato all’Occidente, ai suoi valori, all’idea di museo che nel mondo laico e materialista ha sostituito, con feticismo artistico, le chiese. Ben venga allora la replica semantica che associa diritti umani a patrimonio culturale, a partire dalla risoluzione Onu 33/20 in cui si chiede agli Stati di rispettare il diritto alla fruizione della cultura. Per l’Iraq, per la Siria, per tutti. 

Fonte: http://www.lastampa.it/2018/04/27/cultura/lisis-distrugge-larte-per-provocare-loccidente-BxY5YvWYHPL986un74BkmM/pagina.html

Stephen Shore nacque a New York nel 1947 – oggi ha 70 anni – e iniziò a lavorare presto come fotografo. A 10 anni ricevette in regalo un libro del fotografo americano Walker Evans, American Photographs, che lo influenzò molto: quando aveva 14 anni Edward Steichen, allora curatore delle mostre di fotografia del MoMA di New York, comprò tre sue fotografie. Negli anni Sessanta frequentò Andy Warhol e il suo studio ritraendo le persone famose che ci gravitavano fino al 1967. Iniziò a utilizzare il colore dai primi anni Settanta, quando ancora era una scelta insolita; nel 1971, quando aveva 24 anni, il Metropolitan Museum of Art gli dedicò una retrospettiva: fu il secondo fotografo vivente ad avere una mostra personale nel museo.

Nel marzo del 1972 Shore iniziò a fotografare la sua vita quotidiana e i suoi viaggi on the road negli Stati Uniti: strade, camere d’albergo, schermi televisivi, persone, letti sfatti e piatti di cibo, vetrine e cartelloni pubblicitari. Le fotografie furono esposte alla Light Gallery di New York con il titolo American Surfaces. Shore continuò a fotografare oggetti e situazioni quotidiane e apparentemente banali nel suo lavoro successivo, uno dei più famosi: Uncommon Places, iniziato nel 1972 e terminato 10 anni dopo. Shore si è ispirato a movimenti artistici come il pop, l’arte concettuale e il fotorealismo; il suo modo di lavorare si distingue per la ricerca della massima chiarezza possibile, l’assenza di ritocco e il rispetto per la luce naturale, cercando di limitare il più possibile il numero di scatti.

Dall’estate 2014 Shore ha concentrato il suo lavoro su Instagram: sul suo account pubblica un’immagine quasi ogni giorno (nella mostra saranno visibili sui tablet).

Rappresenta una donna nuda, dai tratti che in qualche modo possono richiamare quelli della Monna Lisa. Sino a oggi è stato guardato con interesse relativo dagli storici dell'arte. Ma oggi, a due anni dalle celebrazioni per il cinquecentenario nella morte di Leonardo, è diventato improvvisamente un reperto preziosissimo, indiziato di essere addirittura un autografo del genio di Vinci, come titolano nelle ultime ore i quotidiani francesi. È conservato infatti nel Musée Condé di Chantilly, a Nord di Parigi, raccolta famosa soprattutto per la collezione di miniature medioevali, tra cui il codice delle Très riches heures du Duc de Berry, quello che ispirò L'autunno del Medioevo di Johan Huizinga. Ma dal castello del Duca d'Orleans è stato trasferito nei laboratori del Centre de Research et de Restauration des Musées de France, struttura interno al Louvre. «In gran segreto», scrivono i giornali transalpini, ma in realtà l'operazione è stata studiata con grande attenzione dal punto di vista mediatico: nel 2019 il Domain di Chantilly -come metà delle istituzioni museali europee- ospiterà una mostra dedicata a Leonardo. E quale miglior lancio che possedere all'interno della collezione un capolavoro del maestro? La rassegna si titolerà Monna Vanna, che è poi la titolazione più appropriata di quella che in queste ore le agenzie stampa di mezzo mondo si sono affrettate a ribattezzare con la titolazione di Joconde Nue, Gioconda Nuda.

Il disegno, che è stato realizzato su di un doppio foglio incollato, per una dimensione complessiva di 72x54 cm, ricorda infatti un dipinto che venne realizzato da Gian Giacomo Caprotti detto il Salaì, allievo e uomo di fiducia di Leonardo, oggi al centro di una vera e propria riscoperta anche grazie alle finzioni letterarie della coppia di romanzieri Monaldi&Storti. Il Salaino realizzò attorno al 1515 quella che è tradizionalmente considerata una parodia della Gioconda, un pastiche di intonazione erotica, in cui viene ritratta una donna discinta che fisiognomicamente richiama la Lisa Gherardini immortalata nel capolavoro di Leonardo che sta al Louvre, e che però secondo alcuni studiosi nello stesso tempo avrebbe alcune caratteristiche dello stesso Caprotti. Questo quadro è appunto chiamato convenzionalmente Monna Vanna. Nel 2000 lo studioso americano David Brown scrisse che probabilmente l'opera del Salaì è una copia da un originale perduto del genio di Vinci, realizzato per Giuliano De Medici. A questa fragile ipotesi si attaccano ora gli studiosi francesi, nel voler riconsiderare alla luce delle più aggiornate tecniche diagnostiche il foglio del Museo Condè. Le analisi al radiocarbonio, che fanno parte della campagna di diagnostiche in corso da qualche settimana a Parigi, avrebbero confermato che il disegno è compatibile con una datazione compresa tra il 1485 e il 1638. Un arco di tempo molto ampio, che di fatto escluderebbe soltanto che si tratti di una derivazione tarda o di un falso, ma che è comunque già qualcosa, dal momento che il foglio non è documentato prima dell'Ottocento. Sembra inoltre che alcuni pentimenti confermino che si tratti di un originale e non di una copia. Ma da qui a parlare di «mano di Leonardo», come ha fatto Le Figaro, ne passa, anche in considerazione del fatto che oltre alla Monna Vanna del Salaì esistono circa una ventina di redazioni diverse di questo soggetto, nessuna delle quali presenta patenti caratteristiche qualitative tali da elevarla ad autografa.

Fonte e articolo completo: http://www.ilgiornale.it/news/cultura/nuovo-mistero-vinci-gioconda-senza-veli-1447627.html

Di Guido Santulli 

Il tema che più di ogni altro caratterizza il futurismo è certamente la velocità. Ma cos’è la velocità per il movimento artistico fondato da Marinetti? Innanzitutto va sottolineato che il semplice andar veloce esclusivamente materiale, porta con se dei limiti incapacitanti ai quali l’uomo futurista non avrebbe potuto sottostare. Colui che può guardare solo avanti, incapace di alzare lo sguardo al cielo, fa della sua vita ciò che Dante chiama un correre alla morte, viene cioè relegato ad uno spazio e ad un tempo, partecipando così a una inutile corsa orizzontale; al contrario i futuristi affermavano la necessità di oltrepassare lo sguardo romantico teso all’orizzonte sostituendolo con lo slancio d’animo che esorta a penetrare gli spazi verticali nelle profondità dal cielo.

Da una parte il mesto tramonto all’orizzonte, dall’altra la luce abbagliante del sole alto di mezzogiorno. D’altronde lo stesso Manifesto Futurista tratteggia questa verticalità evocando l’immagine plastica del promontorio estremo dei secoli, laddove la velocità acquista un carattere metafisico tanto da poter affermare:Il tempo e lo Spazio morirono ieri. Noi viviamo già nell’assoluto, perché abbiamo già creata l’eterna velocità onnipresente.

Il tema della velocità quindi, affrontando e varcando i limiti imposti da ritmi e forme, si eternizza in una dimensione universale. A questo punto l’uomo futurista non è più un corpo meramente materiale ma acquista una componente spirituale nuova e invulnerabile che fa dire ai futuristi:

L’immagine verticale della cima del mondo è indicativa di quanto il concetto di velocità sia il giusto mezzo per giungere ad un vertice assiale, sul quale l’uomo futurista è finalmente libero di mostrare la sua intelligenza attiva e dunque: creare.

Fonte e articolo completo: http://www.lintellettualedissidente.it/letteratura-2/futurismo-velocita-marinetti/

Di Monica Pucci

«Una mattina si alza un professore di buon senso e dice “mettiamo il fotovoltaico e le pale eoliche”. Oggi il Molise è completamente coperto di pale eoliche. Andando verso sud, quando arrivate a Foggia c’è una quantità di pale eoliche paurose che ha fatto mettere il nostro Vendola  l’ex governatore della Puglia, ndr). Lui aveva questo sogno di uccelli volanti. Il risultato è che abbiamo un paesaggio cancellato per sempre. Avete visto qualcuno che abbia reagito? Niente». Lo ha detto Vittorio Sgarbi intervenendo ieri sera, al Castello di Fumone (Frosinone), alla presentazione del suo libro, scritto a quattro mani con il costituzionalista Michele Ainis, “La Costituzione e la bellezza”, su iniziativa dell’associazione culturale castello di Fumone presieduta da Fabio de Paolis. «In cinquant’anni – ha aggiunto sgarbi – abbiamo dissolto metà del nostro patrimonio artistico. Oggi la nostra periferia è indegna di qualunque epoca di umanità fino al Fascismo, che è l’ultimo momento in cui l’Italia ha dato la testimonianza, forse un po’ troppo monumentale ma riconoscibile. I costruttori, i corrotti, i ladri e i mafiosi hanno devastato l’Italia per costruire edifici di cemento. A Ruvo di Puglia, ad esempio, per arrivare al centro storico, che è bellissimo, girate venti minuti di orripilanti costruzioni di condomini fatti non si capisce per chi. Ecco, urge che la bellezza sia difesa».

Michele Ainis e Vittorio Sgarbi, in sedici capitoli, uno per ciascuno dei dodici princìpi fondamentali e dei quattro titoli in cui s’articola la prima parte della Carta, parlano degli aspetti estetici e istituzionali della Carta. Il punto di vista del giurista Ainis si accompagna a una lettura illustrata da Sgarbi attraverso le opere d’arte evocate dal testo costituzionale, un dialogo che rivela la bellezza di un documento a cui lavorarono filosofi, studiosi e intellettuali come Croce, Marchesi e Calamandrei, interpreti moderni delle istanze risorgimentali di Mazzini e Cavour, e indietro fino a Beccaria.

FONTE:http://www.secoloditalia.it/2016/09/lurlo-di-sgarbi-in-50-anni-hanno-distrutto-il-patrimonio-artistico-italiano/

Emozionare con la luce e il colore attraverso il filtrosuggestivo del vetro, è questo l’obiettivo dell’installazione nata tra la collaborazione artistica tra Enzo Catellani e Giuliano Gaigher, per “Casa dellaLuce 2016”, in via Ventura 5.

Lo spettatore si ritrova immerso nel buio,accompagnato solo da riflessi colorati che prendono forma sulle pareti e unamusica lenta e spettrale che fa tremare a ritmo i grandi occhi luminosi che sivengono a formare davanti a lui.

Le luci sono le vere protagoniste di questa edizione delfuori salone. Per un altro viaggio seducente basta spostarsi in Via Tortona 58,dove il Design Center ospita un’installazione interattiva firmata Asus, in cuiil visitatore è - oltre che protagonista - attivatore di luce. Il Glow Of Life è una piccola foresta in cuila natura prende forma nelle sculture arboree. Con il flash o la torcia dellosmartphone, una volta avvicinato il telefono, la luce si trasforma in linfa, percorre il corpo dell’albero e si tuffasulle pareti assumendo forme libere e sfuggenti.

Di Matteo Rubboli

L’artista Alison Moritsugu è una pittrice che vuole rendere al meglio l’essenza della Natura mediante paesaggi e scene naturali nei dipinti sulle sezioni di alberi caduti. Le pitture utilizzano gli alberi non solo come supporto per il colore, ma anche come soggetti dei dipinti stessi.

 La Moritsugu, che è di origine Hawaiana, esplora la bellezza dei paesaggi naturali dell’America, come si trovavano durante l’epoca dei nativi americani. Prima dell’industrializzazione, prima dell’urbanizzazione e della desertificazione di grandissime aree del continente, l’America era un paese selvaggio e magnifico, imponente e vastissimo e per questo assolutamente affascinante.

L’essenza della dualità fra pittura e supporto è uno dei punti cardine del lavoro della Moritsugu, che afferma: “Mi piace la giustapposizione e la tensione creata dall’avere un’immagine della natura su una sezione o un campione della natura reale“. Questo contrasto rende le pitture della Moritsugu un lavoro di pregevole fattura non solo artistica ma anche di significato, forzando lo spettatore nella riflessione su quanto l’uomo abbia influenzato la natura e viceversa.

FONTE E ARTICOLO COMPLETO:http://www.vanillamagazine.it/gli-splendidi-paesaggi-naturali-americani-dipinti-sulle-sezioni-degli-alberi-caduti/

http://www.incredibilia.it/artisti-del-1900-raffigurano-anno-2000/

En L’An 2000 è una serie di vignette futuristichecreate da Jean-Marc Côté ed altri artisti francesi ai quali venne chiesto come pensavano sarebbero stati gli anni 2000.

Furono realizzate nel 1899 in occasione dell’Esposizione Universale di Parigi del 1900 e negli anni successivi. Inizialmente furono stampate come vignette e inserite all’interno dei pacchetti di sigarette e successivamente divennero vere e proprie cartoline.

Le illustrazioni non vennero mai stampate in larga scala e, ad oggi, ne esiste un solo set completo, composto da 87 pezzi e che è appartenuto anche al celebre scrittore di fantascienza Isaac Asimov che nel 1986 ne divulgò l’esistenza nel libro “Futuredays: A Nineteenth Century Vision of the Year 2000″.

51 delle 87 illustrazioni sono disponibili su Wikimedia Commons.